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La Linea è comparsa per la prima volta in Italia negli anni '70, diventando rapidamente un cult internazionale. Creata dal cartoonist Osvaldo Cavandoli, questa serie di 90 episodi segue le avventure di un personaggio che vive e dialoga in grammelot, di solito lamentandosi, con il disegnatore fuori campo mentre incontra sul suo cammino percorsi sorprendenti e ostacoli pericolosi.

La Linea si distingue per il suo stile minimalista, dove la definizione degli oggetti attraverso linee e spazi e i fondali colorati che mutano in base agli stati d'animo, creano una narrazione brillante e inventiva, condita con un'umorismo senza tempo.

A partire dagli anni ottanta La Linea è stato testimonial, oltre che di Lagostina nell'iconico Carosello, anche di numerosi clienti in tutto il mondo.
Gli sketch sono disponibili sul canale YouTube de La Linea.

The Gaze sottolinea lo sforzo artistico dietro ogni sfondo prodotto per i Looney Tunes.
Quando i personaggi vengono rimossi ciò che resta è uno sfondo elegante e silenzioso. Uno spazio di transizione che ha abbandonato lo stile realistico utilizzato spesso da Disney, preferendo invece una scelta artistica capace di adattarsi allo stile dei personaggi del cartone animato. Se i protagonisti vengono rappresentati con linee e colori piatti, lo stesso sarà fatto con gli sfondi. Mentre se i personaggi sono delle caricature, anche gli sfondi assumeranno una nature caricaturale, come imperfezioni esagerate o prospettive allungate e distorte.

Viene inoltre suggerito come molte opere d'arte abbiano ispirato i vignettisti che, attraverso questi sfondi, richiamano i dipinti di Edward Hopper, De Chirico, Rockwell Kent, Salvador Dalí e David Hockney.
Sfondi che sono a loro volta delle vere e proprie opere d'arte che non necessitano dei personaggi dei Looney Tunes o della colonna sonora per essere apprezzati.

Da Topolino a Bugs Bunny, molti personaggi dei cartoni animati legati alle origini dell'animazione indossano guanti bianchi. L'intuizione di questo espediente nasce dalla necessità di disegnatori di aumentare il contrasto con lo sfondo.
I guanti bianchi infatti rendevano le mani dei personaggi più visibili e distinte sullo schermo e risultavano meno onerose da animare, dato che si lavorava in bianco e nero; una motivazione analoga alla nascita delle iconiche quattro dita.
Infine, come racconta Vox, hanno contribuito anche aspetti culturali: l'immagine elegante e sofisticata data dai guanti e i riferimenti ai varietà conosciuti come i Minstrel show.

Vulture ripercorre la storia dell'animazione, analizzando le 100 sequenze più iconiche e gli artisti che hanno rivoluzionato questa tecnica.

Tutta l'animazione, sia che raffiguri un topo che fischia, un dinosauro che cammina o un supereroe che vola, è una sorta di trucco magico. Una parole che è presente anche lì nel nome di uno dei primi dispositivi utilizzati per proiettare le diapositive: la lanterna magica. Se prendi l'immagine di una mano aperta e l'immagine di un pugno e le proietti in sequenza, trasmetti l'illusione di una stretta. "Quello che succede tra ogni fotogramma è più importante di ciò che accade su ogni singolo fotogramma", ha spiegato una volta l'eminente animatore sperimentale Norman McLaren [...]. "Pertanto, l'animazione è l'arte di manipolare gli interstizi invisibili tra i fotogrammi."

Inventato da Max Fleischer, il rotoscope è una tecnica di animazione per creare un cartone ricalcando scene già girate nella realtà per aumentarne così il realismo dinamico.
Vox ci riporta alle origini di questa affascinante tecnica cinematografica.

Nel 1981 Hideaki Anno, Yoshiyuki Sadamoto, Takami Akai, e Shinji Higuchi, allora studenti, realizzarono un corto di animazione per il 20th Annual Japan National SF Convention di Osaka.
Il corto, dal titolo Daicon III Opening Animation, narra l'avventura di una ragazzina dai capelli rossi che difende eroicamente un bicchiere d'acqua da ogni sorta di mostri, robot e astronavi provenienti da più famosi universi fantascientifici televisivi degli anni cinquanta, sessanta e settanta, da Ultraman a Star Wars, passando per Godzilla, la Corazzata Spaziale Yamato e Star Trek. Giunta in un deserto la ragazzina versa il contenuto del bicchiere su di una rapa daikon che immediatamente si trasforma in un'enorme nave spaziale che la accoglie a bordo con il suo raggio traente trasformandola nel suo capitano.

Due anni dopo al 22nd Annual Japan National SF Convention, il corto Daicon IV Opening Animation avrebbe abbandonato la grafica incerta e l'animazione di scarsa qualità dando dato inizio a una nuova stella dell'animazione, la Daicon Film. Il futuro studio Gainax.
Il corto si apre con un riassunto della storia precedente, ridisegnata interamente, per introdurre la ragazzina dai capelli rossi, ormai cresciuta e con lei i suoi poteri, che indossa il costume di una coniglietta di Playboy.
Daicon Bunny combatte contro decine di nemici provenienti da altrettante serie tv, film, fumetti e romanzi fantasy e di fantascienza.
Surfando sulla Stormbringer, la spada senziente brandita da Elric di Melniboné, sulle note di Twilight degli ELO, Daicon Bunny affronterà a duello Darth Vader, la stazza di Dyna Robo e un Alien che brandisce la Discovery One di 2001: Odissea nello Spazio, scontrandosi con ogni genere di astronavi tra cui la SDF-1 Macross, uno Sparviero klingon, la Arcadia, un VF-1 Valkyrie e personaggi che vanno dai supereroi Marvel e DC Comics al leone Aslan, dal drago di Pern ai Thunderbirds, da Conan il barbaro a una carrellata di decine di altri protagonisti fantastici superando il tempo e lo spazio per permettere all'astronave Daicon di ridare nuova vita e speranza alla Terra.

Il cortometraggio, che fece conoscere il talento del nuovo studio di animazione, a causa degli evidenti problemi di copyright fu rilasciato su laserdisc in un numero limitatissimo di copie con l'aggiunta dello storyboard come contenuto speciale con la colonna sonora di Hold on Tight ancora della Electric Light Orchestra.
Oggi una copia originale può arrivare a valere all'asta oltre un migliaio di euro.

ChannelFrederator spiega i motivi di come è nata la consuetudine di disegnare la maggior parte dei personaggi dei cartoni animati con solo quattro dita. Centrano la semplicità di realizzazione e interessi economici.

I principi dell'animazione Disney, come descritti nel libro del 1981 di Ollie Johnston e Frank Thomas The Illusion of Life: Disney Animation, spiegati in 12 puntate dal disegnatore Alan Becker.

Spirited Away si presta a molte chiavi di lettura a partire proprio dal suo titolo originale, Sen to Chihiro no kamikakushi.
E' Miyazaki in tutto il suo splendore.

Chihiro, una novella Alice, è scaraventata in un universo dominato da demoni e spiriti.
I suoi genitori trasformati in maiali e lei costretta a lavorare nelle terme, privata del suo nome.

Sarà un percorso arduo per Chihiro. Amici, nemici. Sfide.
Imparerà a fidarsi di se stessa. La lezione più importate.

I paesaggi di Takeshige, le musiche di Hisaishi e l'immaginazione di Miyazaki rendono Spirited Away un capolavoro. Capace di vincere l'Orso d'Oro al Festival di Berlino; primo film d'animazione della storia ad imporsi in un festival internazionale non specializzato.
Imperdibile.