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Il MoMA segue il maestro stampatore Jacob Samuel mentre realizza la sua ultima stampa prima di ritirarsi. Mentre inchiosta, pulisce a mano e fa scorrere la sua ultima stampa attraverso la pressa, riflette sulla sua filosofia: lasciare che il lavoro dell'artista parli da solo.

C'è un elemento di fiducia che emerge dalle parole di Samuel. Per essere completamente spontaneo, per permettere all'arte di fluire liberamente attraverso di lui, deve affidarsi ai materiali che utilizza. Questa fiducia nella qualità e nell'integrità dei materiali è fondamentale per la sua pratica artistica. Gli permette di essere in sintonia con il processo creativo, di essere un mezzo attraverso il quale l'opera prende forma.
La filosofia di Samuel può essere applicata anche nella vita quotidiana. Nel perseguire la perfezione e l'espressione artistica, ciò che conta è l'opera stessa.
Come un artista che lascia il segno solo attraverso i suoi capolavori, Samuel cerca di lasciare un'impronta duratura senza lasciare tracce di sé.

Prima del XVI secolo l'arte raffigurava quasi esclusivamente immagini religiose, figure mitologiche e ritratti di persone ricche che potevano permettersi un dipinto. Dopotutto, erano proprio queste ultime a pagare per l'arte.
Nel 1500 tuttavia qualcosa cambiò e lo fece anche l'arte. Le scuole filosofiche si ampliarono, interessandosi alle masse non educate, e il processo di stampa rese l'arte più accessibile alle persone comuni.
Gli stessi artisti scoprirono di poter plasmare il pensiero pubblico mostrando come vivevano le persone comuni. Questo fu reso popolare dall'artista olandese Pieter Bruegel il Vecchio, che realizzò stampe di scene quotidiane che attiravano un pubblico più vasto. I suoi quadri successivi erano frutto della sua visione del mondo e spesso avevano un tono satirico. Da quel momento, divenne consueto per gli artisti raffigurare il mondo così com'era, anziché limitarsi a ciò che veniva loro commissionato di dipingere, come racconta Nerdwriter.

Questo cambiamento nella rappresentazione artistica segnò una svolta significativa nella storia dell'arte. Gli artisti iniziarono a esplorare la vita quotidiana, i paesaggi naturali e le scene di mercato, portando avanti una nuova concezione dell'arte come mezzo per descrivere la realtà sociale e culturale.
Con il passare del tempo, questa tendenza si diffuse in tutto il continente europeo, influenzando numerosi artisti e movimenti artistici. La pittura rinascimentale, ad esempio, abbracciò la rappresentazione della vita quotidiana e l'umanizzazione dei soggetti. Artisti del calibro di Vermeer, Rembrandt e Caravaggio dipinsero scene di vita realistica, catturando l'essenza delle persone e dei luoghi con una maestria senza precedenti.
L'arte divenne uno strumento di comunicazione che rifletteva la diversità e la complessità del mondo reale.

L'impatto di questo cambiamento artistico va oltre il mondo dell'arte. La rappresentazione della realtà quotidiana nelle opere d'arte ha contribuito a modellare la percezione della società stessa. Ha sollevato questioni sociali, politiche e culturali, fornendo un riflesso critico della condizione umana. Gli artisti non erano più semplici esecutori di commissioni, ma divennero osservatori attenti e commentatori della vita intorno a loro.
Oggi, l'eredità di questa rivoluzione si riflette ancora nella nostra comprensione dell'arte e nella sua funzione nella società. Continuiamo tutt'oggi a cercare opere che ci diano uno sguardo autentico sulla vita, che ci stimolino a riflettere sulle nostre esperienze e che ci connettano con il mondo che ci circonda.

Negli ultimi anni i ricercatori di OpenAI, Google, Facebook e altri hanno sviluppato strumenti di conversione da testo a immagini. Questi software sfruttano le capacità di deep learning delle IA per generare immagini originali da semplici suggerimenti testuali, simulando efficacemente l'immaginazione umana.
Ciò rappresenta un enorme cambiamento culturale capace di eliminare il requisito del lavoro tecnico dal processo di creazione dell'immagine. Sebbene le implicazioni finali siano ancora difficili da prevedere nel loro complesso, questi algoritmi annunciano una nuova forma di espressione che darà inizio a nuovi impulsi nella creazione di immagini creative prodotte da artisti, designer e illustratori umani.

Vox ripercorre la genesi di questa tecnologia e analizza alcune delle sue conseguenze.

Great Art Explained ha visitato la più antica e grande mostra d'arte del mondo: la 59ª Biennale di Venezia.
La mostra, curata da Cecilia Alemani, ha come titolo Il latte dei sogni, una citazione del libro di favole di Leonora Carrington in cui viene descritto un mondo magico nel quale la vita viene costantemente reinventata attraverso il prisma dell'immaginazione e nel quale è concesso cambiare, trasformarsi e assumere altre identità.

Artvee è un motore di ricerca per scoprire opere d'arte ad alta risoluzione di dominio pubblico o distribuite sotto una licenza Creative Commons e provengono da collezioni di oltre 40 istituzioni internazionali.

Scegli un'immagine dalla collezione proposta dalla Biblioteca Nazionale dei Paesi Bassi, scopri le informazioni sull'opera d'arte, aggiungi una battuta sagace e pubblica il risultato finale sui social network.
Il Medieval Meme Generator raccoglie opere d'arte, miniature e marginalia con scene curiose e strane allegorie che sfidano l'interpretazione moderna.
Un modo simpatico per esplorare la storia dell'arte medievale con una risata.

Una piattaforma per i nuovi talenti realizzata non solo per mostrare e vendere il loro lavoro, ma per creare dialogo attorno alle loro opere. Una piattaforma educativa che renda democratico l'incontro tra collezionisti in erba e nuovi talenti. Un incrocio tra arte, cultura e conversazione critica.
Questo è lo spirito di Salon 21, raccontato su Apartment Therapy.

Entrare nel mondo dell'arte può essere intimidatorio, sia se sei un artista sia se sei un collezionista, ma se non fosse così? Questa è essenzialmente l'etica alla base di Salon 21, una piattaforma di acquisto e scoperta di opere d'arte per giovani appassionati d'arte con un focus sulla democratizzazione dell'arte fornendo accesso ai creatori attraverso conferenze con artisti digitali ed eventi curati. Il fondatore Alex Bass sa un paio di cose sulla creazione di una collezione con risorse limitate; ha dotato il suo studio prebellico del West Village con una raccolta delle sue opere d'arte e di pezzi personali di amici, artisti che ammira, e persino un'opera del famoso artista di strada Trevor Andrew, alias Gucci Ghost.

Fine Art Simpsons porta su Instagram la commistione tra il mondo delle belle arti e quello di una delle famiglie più irriverenti della televisione, i Simpson. Kudos.

La nascita del collage come forma d'arte è di solito attribuita al Cubismo e alle figure di Pablo Picasso e George Braque all'inizio del XX secolo; più precisamente è legata all'intuizione di Picasso di attaccare un pezzo di tela cerata sul suo dipinto Natura morta con fustigazione della sedia.
Tuttavia la storia della tecnica di incollare insieme elementi diversi inizia molti secoli prima.

Il video Collage Before Cubism, realizzato dalla Scottish National Gallery of Modern Art, racconta la nascita del collage, termine tratto dal verbo francese coller che significa attaccare. Uno sguardo indietro nel tempo per risalire sino all'invenzione della carta, quando il collage veniva usato come un metodo di decorazione, strumento di arricchimento per i testi scientifici o come mezzo di emancipazione femminile.