Il blog di Tiziano Caviglia

Il quartier generale di Apple a Cupertino, noto come Apple Park o Spaceship Campus, è un capolavoro architettonico che riflette la visione di Steve Jobs per l'azienda. Esaminando da vicino la storia e il design di questo edificio, possiamo apprezzare l'immensa influenza che Jobs, insieme all'architetto Norman Foster e al designer Jony Ive, ha avuto su ogni aspetto del progetto.

L'idea di un nuovo campus per Apple ha preso forma nella mente di Steve Jobs nel 2004. Da tempo desiderava creare uno spazio in cui la creatività potesse prosperare, un luogo che ispirasse innovazione e collaborazione tra i dipendenti. Nel 2011, Jobs ha presentato il progetto al Consiglio comunale di Cupertino, sottolineando l'importanza di un design senza compromessi e di un impatto ambientale ridotto.

Come racconta Neo, per realizzare questa visione Jobs si è rivolto a Norman Foster, uno dei più rinomati architetti al mondo. Foster ha abbracciato l'idea di Jobs di creare un edificio circolare, che ricordasse una navicella spaziale. Questa forma distintiva ha ispirato il suo soprannome e rappresenta l'idea di unione e connessione tra i dipendenti di Apple. Ogni dettaglio è stato accuratamente considerato, dal vetro curvo delle finestre alla disposizione delle stanze, al fine di promuovere l'interazione tra le persone e creare un ambiente di lavoro stimolante.
Ma il design non si limita solo alla struttura fisica. Jony Ive, il leggendario designer di Apple, ha giocato un ruolo fondamentale nell'aspetto interno del campus. Ha lavorato a stretto contatto con Foster per garantire che l'interior design rispecchiasse l'estetica minimalista e pulita che caratterizza i prodotti Apple. Gli spazi interni sono stati progettati con materiali di alta qualità e attenzione ai dettagli, creando un ambiente armonioso in cui la tecnologia si fonde con l'eleganza.

Apple Park non è solo un edificio, ma un intero complesso immerso in un'area verde di oltre 70 ettari, progettato con un'attenzione particolare all'ecosostenibilità, con l'uso di energie rinnovabili e un sistema di riciclo dell'acqua. È un esempio di come l'architettura e la natura possono coesistere in armonia.

In questo video di 15 minuti, l'ingegnere Grady Hillhouse di Practical Engineering ci mostra le differenze tra ogni tipo di vagone ferroviario in servizio e il rispettivo design e funzioni. Per veri appassionati, ma non solo.

A prima vista, un treno è una cosa semplice: una locomotiva (o più) trascina una fila di vagoni lungo una ferrovia. Ma non tutti questi vagoni ferroviari sono uguali, e ci sono alcuni dettagli affascinanti se ti prendi un minuto per notare le loro differenze.

In questo saggio, illustrato da Matt Reynolds e animato da Elyse Kelly per l'Atlantic, il naturalista Craig Childs descrive la spietata migrazione del fungo altamente tossico, l'amanita falloide, dalla Scandinavia alla regione del Pacifico nord-occidentale.

Sebbene questi funghi siano storicamente endemici in Scandinavia e in alcune parti dell'Europa settentrionale, la coltivazione di specie di alberi non native in Nord America ha portato a un'esplosione di funghi in alcune aree del continente.
Childs spiega come questi letali funghi non siano come gli tutti altri. Assomigliano a funghi non tossici, hanno un buon sapore e, sebbene non si verifichino effetti immediati dopo l'ingestione, il loro veleno diventa letale giorni dopo l'ingestione.

L'iPhone da sempre offre una vasta gamma di suonerie e suoni di allarme tra cui scegliere, ma la vecchia suoneria di default arrivata su iOS 7 rimane ancora la più memorabile, un'icona, un segno distintivo dell'esperienza Apple.
Il musicista Tony Ann ha preso quella familiare melodia e l'ha sviluppata, trasformandola in una graziosa piccola ballata da suonare al pianoforte. Lo spartito è disponibile per l'acquisto su Musicnotes.

Il 33° appuntamento annuale con gli improbabili premi Ig Nobel per le ricerche e i risultati scientifici che prima fanno sorridere e poi fanno riflettere.

Tra le ricerche premiate quest'anno ci concentriamo sul perché alcuni paleontologi lecchino i fossili, sulle conseguenze che il comportamento sessuale delle alici provoca al movimento delle acque di superficie degli oceani, sui risultati ricavati dai sensori per le analisi in tempo reale sull'utilizzo dei bagni di Stanford e sul perché insegnanti noiosi hanno classi di alunni annoiati.

Christopher Nolan è uno dei registi più influenti degli ultimi due decenni e la sua cifra stilistica è caratterizzata da un tema ricorrente: il tempo. In opere come Memento, The Dark Knight, Dunkirk, Tenet, Interstellar e Oppenheimer, il tempo diventa la musa di Nolan; uno strumento per guidare la trama in una direzione precisa, coinvolgendo il pubblico in un viaggio emozionante, come racconta Nerdstalgic.

Il tempo è uno dei concetti più universali e complessi che esistano. È un elemento strettamente legato all'esperienza umana, influenzando la nostra percezione, i ricordi e il modo in cui viviamo il presente. Nolan sembra essere affascinato da questa dimensione e dal potere che essa può esercitare sulla narrazione.
Attraverso il tempo, Nolan crea un'esperienza cinematografica unica e coinvolgente. Utilizzando elementi come la non linearità, l'inversione cronologica e la simultaneità degli eventi, egli manipola la percezione del tempo sia dei personaggi che dello spettatore. Ciò genera una tensione narrativa e un senso di suspense che catturano l'attenzione e stimolano l'immaginazione.
L'uso meticoloso del tempo diventa anche uno strumento per esplorare temi profondi e universali. Il tempo può diventare una metafora potente per la fugacità della vita, la ricerca dell'identità, l'impatto delle nostre scelte e il senso di perdita. Attraverso le sue storie, Nolan ci invita a riflettere su questi temi e a interrogarci sul significato del tempo stesso.
La manipolazione temporale può creare una connessione emotiva più profonda, permettendoci di sperimentare le stesse emozioni e le stesse sfide dei protagonisti, aumentando l'empatia tra il pubblico e i suoi personaggi. Attraverso questa immersione temporale, Nolan ci coinvolge nel suo mondo cinematografico in modo intenso e coinvolgente e ci invita a esplorare le sue dimensioni e a cercare di capire il nostro rapporto con esso.

Questo documentario racconta la realizzazione di Operazione diabolica, film horror fantascientifico-psicologico del 1966, diretto da John Frankenheimer e interpretato da Rock Hudson, che compone la trilogia della paranoia assieme a The Manchurian Candidate (Va' e uccidi) e Sette giorni a maggio.

Operazione diabolica ha lasciato un'impronta indelebile nel panorama cinematografico, sia per la sua storia intrigante sia per la sua regia innovativa. Il documentario offre uno sguardo approfondito e coinvolgente sul dietro le quinte di questa pellicola, mettendo in risalto il contributo artistico di John Frankenheimer e le performance memorabili degli attori coinvolti.
Attraverso interviste di grande valore, la signora Frankenheimer ci conduce in un viaggio emotivo attraverso i ricordi del marito, rivelando dettagli preziosi sulla sua visione artistica e sul processo creativo che ha portato alla realizzazione del film.
L'intervista all'attrice Salome Jens ci offre uno sguardo privilegiato sul set e sulle dinamiche di lavoro con il regista. Attraverso le sue esperienze personali, Jens ci svela l'approccio unico di Frankenheimer alla direzione degli attori e il modo in cui ha saputo estrarre le performance più autentiche e coinvolgenti.

Il documentario ci regala anche una panoramica sulla rilevanza e l'impatto culturale di Operazione diabolica nella società degli anni '60. Il film affronta tematiche profonde e complesse, come la ricerca dell'identità, la disillusione e il desiderio di una seconda possibilità nella vita. La sua narrazione affonda le radici nel terrore psicologico, creando un'atmosfera inquietante e sconcertante che resta con lo spettatore anche dopo la visione.
Il giusto tributo a un regista visionario e a un film che ha lasciato un segno indelebile nella storia del cinema.

Moth Light Media ripercorre l'evoluzione dei colibrì raccontando come questi straordinari piccoli uccelli siano arrivati a essere le creature affascinanti e insolite che conosciamo oggi.
La storia dell'evoluzione dei colibrì riguarda il modo in cui essi hanno sfruttato i vantaggi di bere una bevanda energetica naturale e successivamente si sono evoluti dotandosi di caratteristiche peculiari per combattere gli svantaggi che li caratterizzano.

Oggigiorno i colibrì si trovano solo nel continente americano, ma un fossile di oltre 30 milioni di anni è stato scoperto nel sud della Germania ed è il più antico fossile di colibrì conosciuto.
Questo reperto fossile ci offre un'importante finestra sul passato, permettendoci di comprendere meglio il percorso evolutivo.
I colibrì sono noti per le loro abilità di volo straordinarie, con ali che battono così rapidamente da essere quasi invisibili a occhio nudo. Questa caratteristica è stata fondamentale per la loro sopravvivenza, poiché consente loro di nutrirsi del nettare dei fiori, che rappresenta una fonte di energia essenziale per questi piccoli uccelli. La loro dipendenza da questa risorsa ha portato a un'evoluzione specializzata delle loro lingue, permettendo loro di estrarre il nettare in modo efficiente.
Ma l'evoluzione delle caratteristiche dei colibrì non si è limitata solo alle ali e alla lingua. Essi hanno sviluppato corpi compatti e leggeri, adattati per il volo agile e veloce. Inoltre, hanno un metabolismo incredibilmente elevato per sostenere il loro stile di vita energico, che richiede un consumo costante di cibo.

Hayao Miyazaki, torna sul grande schermo ancora una volta con un paesaggio ultraterreno pieno di mistero e meraviglia col suo atteso nuovo film, Il ragazzo e l'airone.
Avvicinandosi alla fine di una carriera durata decenni, il regista dello Studio Ghibli ha lasciato intendere (di nuovo) che questo potrebbe essere il suo ultimo film.

Il ragazzo e l'airone accoglie in un mondo imbevuto di speranza e disperazione, creazione e distruzione, vulnerabilità e capacità di adattarsi e naturalmente incontri fantastici.
Tutti elementi familiari agli amanti dello Studio Ghibli che culminano con un messaggio finale profetico ed enigmatico sul senso della vita, ma anche sul futuro dello studio di animazione: "Dove la morte giunge al termine, la vita trova un nuovo inizio".
Un ultimo film come testamento artistico e allo stesso tempo un testimone per il domani.