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La guida definitiva di StudioBinder su come realizzare primi piani sul grande schermo.

Roger Ebert una volta disse che "i film sono come una macchina che genera empatia". Uno dei modi più comuni e diretti in cui ciò avviene è attraverso il primo piano. Gran parte del modo in cui comunichiamo e ci connettiamo con le persone è attraverso il viso. Ha senso quindi che l'inquadratura ravvicinata sia una delle inquadrature più onnipresenti. In questo video, esamineremo la miriade di modi per riprendere un primo piano, incluse le proporzioni, l'illuminazione, la profondità di campo e come modificare i primi piani in una scena.

Una delle decisioni prese durante la pre-produzione è quale formato verrà utilizzato. Le immagini più quadrate sono ottime per gli scatti ravvicinati perché possono isolare un singolo volto. D'altra parte, più immagini a forma di rettangolo possono fornire più contesto attorno al personaggio o persino consentire primi piani di due o tre personaggi alla volta.

Gli obiettivi della fotocamera offrono anche qualità distinte quando si riprendono primi piani nel film. Gli obiettivi con una lunghezza focale di 50 mm e oltre tenderanno ad appiattire il viso, mentre gli obiettivi grandangolari (come 28 mm e inferiori) allungheranno e distorceranno il viso. C'è anche l'illuminazione da considerare: una retroilluminazione morbida può dare al personaggio un bagliore, mentre una forte illuminazione inferiore crea ombre drammatiche.

Forse nessun altro espediente narrativo è più confuso o dibattuto del MacGuffin. Studio Binder confronta le differenze che intercorrono tra Alfred Hitchcock e George Lucas nell'uso del MacGuffin per trovare spunti e suggerimenti su come applicarlo in modo efficace e convincente a una sceneggiatura.

Secondo Hitchcock, il MacGuffin è un espediente della narrazione che mette in moto la trama, ma al pubblico non importa di cosa si tratta. Prima della fine del film, potrebbero persino averlo dimenticato del tutto.

Per Hitchcock, il MacGuffin ha funzionato magnificamente per i thriller di spionaggio, la cosa che tutti cercano. Potrebbero essere i piani per un motore aereo sperimentale in Il club dei 39, le bottiglie di vino contenenti uranio in Notorious o il microfilm in Intrigo internazionale. Questi oggetti erano solo un mezzo per innescare la trama o poco più.

[...] Per Lucas, il MacGuffin dovrebbe rimanere importante sia per la trama che per il pubblico. Ha impiegato questa versione del MacGuffin in due dei principali franchise: Star Wars e Indiana Jones. In Una nuova speranza, il MacGuffin è R2-D2 che protegge i piani rubati della Morte Nera. Non solo la trama è iniziata con la ricerca di quei piani, ma diventano anche la chiave per la distruzione della Morte Nera da parte della ribellione nel terzo atto. Ne I predatori dell'arca perduta, l'Arca è il MacGuffin. E mentre avrebbe potuto essere sostituito con qualsiasi altro manufatto inestimabile (come nei MacGuffin di Hitchcock), l'Arca gioca un ruolo enorme nel finale.

Un commovente breve essay di The Cinema Cartography sui pionieri del cinema.
Un messaggio di amore e devozione verso la settima arte e i suoi interpreti, attraverso l'analisi dello sviluppo tecnologico, dell'impatto culturale e della nascita del pensiero cinematografico.

Studio Binder esamina tre elementi della suspense analizzando altrettante scene dirette da Fincher, Carpenter e Refn.
In Drive, Nicolas Winding Refn sfrutta il sound design per elettrizzare lo spettatore.
John Carpenter, ne La Cosa, si affida al montaggio per rafforzare la tensione nel pubblico.
In Zodiac, David Fincher utilizza la fotografia per guidare la suspense attraverso un sapiente uso dell'esposizione.

Edward Hopper è considerato uno dei primi artisti del 20° secolo a essere stato influenzato dal cinema. Un artista che, forse più di ogni altro, amava il cinema e il cinema ricambiava lo stesso sentimento.
Great Art Explained illustra questa relazione simbiotica di ispirazione e influenza all'interno del mondo delle arti visive.

Edward hopper aveva 13 anni quando furono proiettati i primi film: aveva circa 40 anni quando arrivarono i film sonori, e morì proprio mentre Bonnie e Clyde apparivano sul grande schermo. Si potrebbe dire che la sua vita sia stata legata alla storia del cinema.

Insider ha intervistato con Sanaa Kelley di Reel Foley Sound e Monique Reymond per scoprire come vengono creati i suoni per le serie di animazione e i film come in Avatar: The Last Airbende, SpongeBob, i Rugrats, Invader Zim, Teen Titans Go!, Kung Fu Panda: Mitiche avventure e altri ancora.

L'animazione richiede un tipo di suono molto particolare: più accentuato e meno legato al realismo. Inoltre, quando lavorano con cartoni animati, i rumoristi iniziano da zero senza avere una base reale da cui partire, il che consente di aprire un mondo di possibilità creative.

Tutto su un set è intenzionale e studiato con cura, dall'arredamento ai vestiti, dagli oggetti di scena alle tonalità di colore.
Wolfcrow spiega cosa comporta la regola del colore del 60-30-10% e come questa sia presente nella maggior parte dei film. Il colore dominante, costituito da varie tonalità, è presente nel 60% dell'inquadratura, un colore secondario complementare è presente nel 30% dell'immagine, mentre il restante 10% è rappresentato da un colore d'accento.
Questa semplice formula fornisce una tavolozza di colori equilibrata capace di influenzare lo spettatore e la narrazione.

All The Right Movies ha stilato 10 tra le più memorabili sequenza di apertura nella storia del cinema.
In fondo l'inizio di un film è la chiave con cui i registi possono determinare il tono, il tema e le leggi del loro mondo.

Secondo i teorici del cinema, il montaggio è considerato come lo specifico filmico in quanto contraddistingue questa arte dalle altre forme espressive.
Il montaggio è l'elemento fondante dell'istanza narrante filmica e al contempo è strumento per la costruzione della narrazione.

Every Frame a Painting descrive il processo creativo di un montatore cinematografico, dal pensiero razionale all'intuizione artistica.

Team 2 Films indaga su come l'aspect ratio, il rapporto tra larghezza e altezza prima nelle pellicole cinematografiche, sia stato in grado di modellare la realizzazione dei film, incidendo sulla composizione, il montaggio, la scenografia e la messa in scena.
Questo breve essay ripercorre la storia dell'aspect ratio nel cinema; di come la pellicola da 35 mm è diventata lo standard e perché Cinemascope, VistaVision e altri formati widescreen hanno letteralmente ampliato le proporzioni per consentire un maggiore campo visivo all'interno delle inquadrature.