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Per molti lettori cresciuti nell'età d'oro dell'editoria fantascientifica, un libro non cominciava con la prima pagina di un romanzo, ma con la copertina. Prima ancora di incontrare Asimov, A. E. Van Vogt, Silverberg, Clarke o altri maestri del genere, era l'illustrazione a promettere un viaggio verso mondi sconosciuti. Tra gli artisti che contribuirono in modo memorabile a costruire quell'immaginario c'è Peter George Elson, la cui produzione trasformò astronavi, pianeti alieni e rovine cosmiche in autentiche visioni.

Elson apparteneva a una generazione di artisti per i quali la pittura fantascientifica era qualcosa di più della semplice illustrazione narrativa. Le sue immagini erano finestre aperte sul futuro, enormi astronavi in avaria, flotte impegnate in battaglie spettacolari, pianeti remoti e giganteschi relitti alla deriva nello spazio. C'era spesso un senso di scala vertiginoso. L'uomo sembrava minuscolo di fronte alle strutture tecnologiche che aveva costruito o agli ambienti cosmici nei quali si trovava immerso.

Una parte importante della sua notorietà è legata alle illustrazioni realizzate per le celebri pubblicazioni della Terran Trade Authority, serie di libri illustrati apparsa a partire dagli anni Settanta. Volumi come Spacecraft 2000–2100 AD e Great Space Battles combinavano testi pseudo-documentari e immagini spettacolari, creando l'impressione di sfogliare un'enciclopedia proveniente da un futuro che non era ancora arrivato. Elson fu uno degli artisti capaci di dare concretezza visiva a quell'universo.

Il suo stile era particolarmente efficace nel rappresentare la tecnologia, come si può vedere in questa raccolta a cura di Sci-fi Art. Le astronavi non apparivano come semplici oggetti levigati e futuristici, ma erano macchine complesse, ricche di pannelli, antenne, strutture modulari, motori e dettagli tecnici. Persino quando erano impegnate in una battaglia, sembravano possedere una massa e una fisicità quasi tangibili. È una caratteristica che avvicina Elson alla grande tradizione dell'illustrazione tecnica, pur portandola in territori completamente immaginari.

La sua carriera comprende anche numerose copertine di libri di fantascienza, comprese opere iconiche di Isaac Asimov, contribuendo così a definire visivamente intere generazioni di lettori. In questi lavori l'immagine non era necessariamente una traduzione letterale della storia, era piuttosto una promessa. Una città aliena, una creatura misteriosa o una gigantesca nave spaziale suggerivano che dietro quella copertina esistesse un universo molto più vasto.
Ed è forse proprio questa la qualità più affascinante dell'arte di Elson. Le sue immagini non mostravano soltanto ciò che accadeva, ma suggerivano ciò che era accaduto prima e ciò che sarebbe potuto accadere dopo. Un'enorme astronave abbandonata poteva essere il relitto di una civiltà scomparsa; una luna sconosciuta poteva nascondere una colonia; una flotta apparentemente vittoriosa poteva essere soltanto all'inizio di una guerra interstellare.
In questo senso Elson appartiene a quella straordinaria generazione di illustratori che trasformarono la fantascienza popolare in una forma di mitologia visiva moderna. Il risultato è un'eredità che si è tramandata nel tempo. Non a caso l'aspetto del videogioco Homeworld è stato fortemente influenzato dalle illustrazioni di Elson degli anni '70 e '80. Guardando oggi un'illustrazione di Peter Elson si ritrova qualcosa che la fantascienza contemporanea, spesso dominata dall'iperrealismo digitale, rischia talvolta di perdere. La sensazione forse ingenua eppure potentissima che tutto quello che si può immaginare diventi possibile.

Tra le opere che hanno ridefinito il linguaggio del fumetto europeo, L'Incal occupa un posto di assoluto rilievo. Nato dalla collaborazione tra lo sceneggiatore Alejandro Jodorowsky e il disegnatore Jean Giraud in arte Moebius, questo ciclo di graphic novel pubblicato a partire dal 1981 è considerato uno dei vertici della fantascienza illustrata. Più che una semplice avventura spaziale, L'Incal è un viaggio filosofico e visionario che intreccia tecnologia, spiritualità, satira politica e ricerca interiore in un universo narrativo di straordinaria ricchezza.

Il protagonista è John Difool, un investigatore privato mediocre, codardo e privo di qualsiasi qualità eroica. La sua esistenza cambia radicalmente quando entra in possesso dell'Incal, un misterioso artefatto dalle immense capacità, ambito da governi, eserciti, sette religiose e potenti entità cosmiche. Da quel momento Difool viene trascinato in un'avventura che attraversa pianeti, dimensioni e civiltà, trasformandosi, suo malgrado, in una figura destinata a influenzare il destino dell'intero universo.

L'universo immaginato da Jodorowsky è un caleidoscopio di idee. Le sue pagine fondono space opera, cyberpunk ante litteram, esoterismo, psicologia junghiana, alchimia, misticismo orientale e simbolismo religioso. La narrazione alterna momenti di epica cosmica a scene ironiche e grottesche, nelle quali la critica alla società contemporanea emerge attraverso la caricatura del potere, del consumismo, dei media e del fanatismo ideologico e religioso. Pur ambientata in un futuro remoto, l'opera parla costantemente del presente, mostrando una civiltà dominata dalla manipolazione dell'informazione, dalla corruzione politica e dalla perdita di valori autentici.
Il merito di rendere L'Incal un'esperienza visiva unica è di Moebius. Il suo tratto elegante e assurdamente dettagliato dà vita a metropoli verticali, deserti infiniti, astronavi organiche e creature aliene di straordinaria originalità. Ogni tavola trasmette un senso di meraviglia continua, con una chiarezza narrativa che permette anche alle sequenze più complesse di mantenere una sorprendente leggibilità. L'immaginario creato da Moebius ha influenzato profondamente il cinema, il design e la fantascienza contemporanea, ispirando registi come Ridley Scott, George Lucas, Luc Besson e molti altri.

Uno degli aspetti più affascinanti dell'opera è il continuo contrasto tra il sublime e il ridicolo. John Difool è l'esatto opposto dell'eroe tradizionale: egoista, pauroso e spesso incapace di comprendere ciò che gli accade intorno. Eppure proprio questa sua umanità lo rende il protagonista ideale di un racconto che mette in discussione il concetto stesso di predestinazione. Jodorowsky suggerisce che l'evoluzione spirituale non appartenga agli individui perfetti, ma a coloro che sono disposti ad affrontare le proprie debolezze e a trasformarle in occasione di crescita.

L'importanza de L'Incal, come suggerisce Art Shutter, va ben oltre la graphic novel. Da questa saga è nato il cosiddetto Jodoverse, un vasto universo narrativo comprendente opere come Prima dell'Incal, Dopo l'Incal, L'Incal finale, La Casta dei Meta-Baroni e I Tecnopadri, che ampliano e approfondiscono la complessa cosmologia immaginata da Jodorowsky. Ogni serie affronta aspetti differenti dello stesso universo, contribuendo a costruire una delle mitologie fantascientifiche più articolate mai realizzate nel fumetto.

A oltre quarantacinque anni dalla sua pubblicazione, L'Incal continua a essere un punto di riferimento imprescindibile per autori, illustratori e lettori. La sua straordinaria capacità di fondere spettacolo visivo, riflessione filosofica, viaggio iniziatico e sperimentazione narrativa dimostra come la graphic novel possa affrontare temi profondi senza rinunciare al fascino dell'avventura.
È un'opera che invita a interrogarsi sul significato del potere, della coscienza e dell'evoluzione dell'umanità, ricordandoci l'essenziale importanza dell'esplorazione di noi stessi.

Tra le opere più originali e affascinanti dell'animazione europea, Gandahar, del 1987, rappresenta il testamento artistico del regista francese René Laloux, autore di autentici classici della fantascienza animata come Il pianeta selvaggio (1973) e Les Maîtres du temps (1982). Con questo suo ultimo lungometraggio, Laloux realizza un'opera che fonde filosofia, ecologia, surrealismo e fantascienza in un viaggio visionario capace di affascinare ancora oggi.

La storia si svolge su Gandahar, un pianeta apparentemente perfetto, dove una civiltà pacifica vive in armonia con la natura, guidata da un consiglio di matriarche. Questo fragile equilibrio viene improvvisamente spezzato dall'arrivo degli Uomini di Metallo, un esercito di automi che trasforma gli abitanti in statue di pietra. Per scoprire l'origine dell'invasione viene inviato il giovane guerriero Sylvain, che durante il suo viaggio incontra i Deformi, esseri mutanti emarginati dalla società di Gandahar perché frutto di antichi esperimenti scientifici falliti. Proprio attraverso il confronto con questi esclusi emergerà una verità molto più complessa di quanto appaia inizialmente.

Laloux costruisce una narrazione che supera il semplice conflitto tra bene e male. Il vero antagonista, il gigantesco cervello chiamato Metamorphis, non è soltanto un mostro da sconfiggere, ma il risultato di un passato dimenticato e delle conseguenze impreviste del progresso tecnologico. Il viaggio di Sylvain e della sua compagna Airelle si trasforma così in una riflessione sul tempo, sulla memoria e sulla responsabilità delle civiltà nei confronti delle proprie creazioni. La fantascienza diventa uno strumento per interrogarsi sul rapporto tra scienza ed etica, sul destino delle società utopiche e sul rischio che ogni paradiso possa generare, inconsapevolmente, le condizioni della propria rovina.

Uno degli elementi più sorprendenti del film è il suo universo visivo basato sul romanzo di Jean-Pierre Andrevon, Gli uomini-macchina contro Gandahar (Les Hommes-machines contre Gandahar). I personaggi, le creature e gli ambienti sono stati progettati dal celebre fumettista francese Philippe Cazaumayou, conosciuto semplicemente come Caza, uno dei maggiori interpreti della fantascienza illustrata europea. Le sue architetture organiche, le piante impossibili, gli animali fantastici e gli esseri mutanti trasformano Gandahar in un mondo sospeso tra sogno e incubo, nel quale ogni inquadratura sembra un'illustrazione uscita dalle pagine di una graphic novel. L'animazione tradizionale, pur realizzata con mezzi limitati rispetto alle produzioni hollywoodiane dell'epoca, riesce a creare immagini di straordinaria forza evocativa.
Come in tutta la filmografia di Laloux, anche in Gandahar convivono influenze letterarie, artistiche e filosofiche. Il film affronta temi che anticipano molte riflessioni contemporanee: l'intelligenza artificiale, il transumanesimo, le mutazioni genetiche, l'esclusione del diverso e l'equilibrio tra sviluppo tecnologico e sostenibilità ambientale. I Deformi, inizialmente considerati mostri, diventano invece il simbolo della diversità come ricchezza, mentre la società apparentemente perfetta di Gandahar rivela le proprie contraddizioni e la propria incapacità di accettare ciò che esce dagli schemi.

L'opera si distingue anche per il ritmo contemplativo e per il tono poetico che caratterizzano la regia di Laloux. A differenza della fantascienza d'azione più spettacolare, Gandahar invita lo spettatore a osservare, riflettere e lasciarsi trasportare in un universo in cui il meraviglioso convive con l'inquietante. La colonna sonora, i colori irreali e la continua invenzione visiva contribuiscono a creare un'esperienza quasi onirica, nella quale la narrazione procede come un sogno lucido.

Pur non avendo ottenuto il successo commerciale di altre produzioni animate degli anni Ottanta, Gandahar è diventato negli anni un autentico film di culto. La sua influenza è riconoscibile in numerose opere successive di fantascienza e animazione, soprattutto per la capacità di immaginare mondi alieni credibili senza rinunciare alla dimensione simbolica e filosofica. Ancora oggi il film conserva una sorprendente modernità, dimostrando come l'animazione possa essere uno straordinario linguaggio per raccontare idee complesse e scenari impossibili da rappresentare con altri mezzi.
Janus Films distibuirà una versione restaurata in 4K nei cinema a fine agosto.

Con Gandahar, René Laloux chiude la propria carriera lasciando un'opera che parla di futuro, ma soprattutto dell'uomo, delle sue paure, delle sue speranze e delle conseguenze delle proprie scelte. Un viaggio visionario che, a quasi quarant'anni dalla sua uscita, mantiene intatto il fascino delle grandi opere capaci di trasformare la fantascienza in una profonda riflessione sulla condizione umana.

Il cinema, fin dai suoi albori, ha avuto un interesse particolare per il tema della tecnologia e delle macchine, un filone che si è evoluto nel tempo fino a dare origine a una delle sue espressioni più affascinanti: i robot. Film iconici come Metropolis, A.I. - Intelligenza artificiale, Il pianeta proibito, Star Wars, Il gigante di ferro, Terminator, Blade Runner e WALL-E hanno creato un ampio universo cinematografico incentrato sui robot, esplorando temi di identità, intelligenza artificiale e interazione umana. Tuttavia, la radice di questa narrazione si trova, ancora una volta, nel lavoro pionieristico di Georges Méliès, la cui creatività ha tracciato un sentiero per futuri cineasti.

È sorprendente scoprire che Méliès, considerato un innovatore del cinema di fantascienza, sia stato il primo a portare un robot sul grande schermo. La sua opera del 1897, Gugusse et l'Automate, recentemente ritrovata tra vecchie pellicole presso la Biblioteca del Congresso, presenta un mago e un automa in un confronto slapstick.
Nei sessant'anni che seguirono, le sue invenzioni visive sarebbero state replicate, amplificate e reinterpretate, portando alla creazione di opere maestose che avrebbero affascinato generazioni. La figura del robot, simbolo di progresso e sfida alle convenzioni, ha trovato, grazie a Méliès, il suo primo terreno di esplorazione.

Il potere di Gugusse et l'Automate risiede nella capacità di Méliès di fondere narrazione e spettacolo in un modo che era innovativo per l'epoca. I colpi del mago sull'automa, che si riduce progressivamente, sono una metafora della crescita e della trasformazione che il cinema stesso stava vivendo. Questo inizio rudimentale ha posto le basi per il curioso e complesso rapporto tra l'arte cinematografica e l'idea di robot, che si sarebbe evoluto in una forma d'arte più raffinata negli anni a venire.

Il film Metropolis di Fritz Lang, realizzato nel 1927, rappresenta un caposaldo della cinematografia e della fantascienza, offrendo una visione inquietante e, al tempo stesso, profetica della società futura. Ambientato nel 2026, ritrae una società stratificata, in cui una vasta e disperata classe proletaria passa le proprie giornate in lavori che sembrano privi di significato, mentre i magnati d'affari ultra-ricchi esercitano un controllo quasi totale. In questo contesto di disuguaglianza e sfruttamento, la classe dirigente si affida alla tecnologia, in particolare all'intelligenza artificiale, come soluzione ai propri problemi.

Il documentario di DW analizza il processo di creazione e l'eredità di Metropolis, sottolineando la sua immensa influenza sui film di fantascienza successivi. Pellicole come 2001: Odissea nello spazio, Star Wars e Blade Runner non nascondono il debito che hanno nei confronti della visione di Lang. Le immagini di gigantesche città, illuminate e intrise di tecnologia, e i lavoratori manipolati da un ingranaggio mastodontico, sono solo alcuni dei simboli che sono penetrati nella cultura popolare e continuano a rimanere impressi nell'immaginario collettivo.

Una figura emblematica memorabile è Rotwang, archetipo dello scientifico pazzo circondato da tubi e ingranaggi, che incarna l'ossessione della tecnologia e del controllo. Ma la vera innovazione del film risiede nella rappresentazione della donna robot, che assume le sembianze dell'eroina della classe operaia. Questa invenzione ha aperto nuove strade nel design e nella narrazione, rimanendo un punto di riferimento nell'evoluzione della rappresentazione dei robot nel cinema.

Oltre al suo apporto tecnico e visivo, Metropolis continua a risuonare anche per le sue tematiche di fondo, immediatamente riconoscibili: il conflitto, l'alienazione e la speranza di una connessione umana in un mondo dominato da macchine e da una tecnologia opprimente. Questo aspetto così attuale della trama consente anche al pubblico moderno di sospendere l'incredulità, rendendo la pellicola tutt'ora affascinante, nonostante le sue implausibilità tecnologiche. Infatti, sebbene non viviamo esattamente il 2026 che Metropolis immagina, la società attuale presenta comunque somiglianze inquietanti con quella rappresentata da Fritz Lang.

In un'epoca in cui la comodità è un imperativo e l'efficienza è apprezzata sopra ogni altra cosa, i metodi di viaggio nel tempo che richiedono il minimo sforzo sono particolarmente attraenti. Dalle vasche idromassaggio che trasportano istantaneamente attraverso le epoche, ai manuali di facile lettura che semplificano anche il concetto più complesso del viaggio temporale, la moderna narrazione cinematografica offre una varietà di soluzioni per indolenti crononauti.
Giant Freakin Robot ha elencato i molteplici modi in cui i personaggi nei film viaggiano nel tempo con il minor sforzo possibile.

L'universo creato da Iain M. Banks nel Ciclo della Cultura è un affascinante esempio di speculazione futuristica. In questa società interstellare, le tecnologie hanno raggiunto livelli straordinari, consentendo agli esseri umani di vivere in armonia con intelligenze artificiali altamente sviluppate, le Menti. Queste entità, dotate di una comprensione e una potenza di calcolo infinitamente superiori a quelle umane, coesistono pacificamente con i loro creatori organici, collaborando per il bene comune in una simbiosi positiva.

Orbital Array esplora una civiltà in cui tecnologia, etica e libertà si intrecciano, offrendo sia sogni utopistici che dilemmi complessi. Dalla relazione simbiotica tra esseri organici e gli IA superintelligenti, ai dibattiti morali all'interno del servizio segreto di Circostanze Speciali, la Cultura è una testimonianza dell'immensità dell'immaginazione umana. Un ambiente in cui la libertà individuale e l'autodeterminazione sono valori primari. Gli abitanti hanno accesso a una vasta gamma di opportunità e scelte, permettendo loro di esplorare e svilupparsi secondo i propri desideri.
Uno degli aspetti più affascinanti di questa società post-scarsità è proprio il ruolo di Circostanze Speciali, un'organizzazione che ha l'incarico di affrontare le situazioni più delicate e pericolose, spesso infrangendo le regole imposte dalla Cultura e agendo nell'ombra per preservare l'integrità fisica e morale dei suoi abitanti. Questo solleva continuamente l'interrogativo etico se sia giustificato sacrificare alcuni principi in nome di un bene più grande.

L'indimenticato Iain M. Banks, attraverso le vicende della sua società avanzata, ci ha indicato una strada volta all'esplorazione delle connessioni tra tecnologia, etica e libertà individuale. Sfidandoci a riflettere su come potremmo immaginare e plasmare il nostro futuro, ricordando l'infinita potenza dell'immaginazione.

Velocemente, riesci a citare dieci film di fantascienza veramente fantastici che hai visto? Probabilmente sì, ma se fossero 20? O 50?
La fantascienza è una categoria piuttosto ampia, che include viaggi spaziali, viaggi nel tempo, fiction speculativa, tecnologia futuristica ed evoluzione sociale e biologica.
Rolling Stone ha raccolto una lista di 150 film che non dovrebbero mancare nella collezione di un appassionato del genere, dai blockbuster ai B-movie, dai film per bambini ai film muti, dalle commedie all'animazione.

Small worlds ha iniziato il 2023 con la promessa di pubblicare ogni giorno una piccola storia di fantascienza.
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